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venerdì, Ottobre 4, 2024
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180 Pennelli Gratuiti per Procreate: La Raccolta Definitiva per Artisti Digitali

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Oltre 180 Pennelli Gratuiti per Procreate: La Raccolta Definitiva

Sei un artista digitale alla ricerca dei migliori pennelli per Procreate? Sei nel posto giusto! In questo articolo, abbiamo raccolto più di 180 pennelli gratuiti per Procreate che ti permetteranno di migliorare il tuo lavoro e dare vita a creazioni straordinarie. Scopri come scaricare e installare facilmente questi pennelli e sperimenta texture ed effetti che faranno risaltare i tuoi disegni.

Cosa Sono i Pennelli di Procreate e Perché Usarli?

Procreate è una delle app di disegno digitale più amate dagli artisti, grazie alla sua intuitività e agli strumenti potenti che mette a disposizione. I pennelli di Procreate sono uno degli strumenti più importanti perché ti permettono di creare una vasta gamma di texture, sfumature ed effetti. Che tu stia lavorando a illustrazioni, dipinti digitali o disegni, usare pennelli per Procreate gratuiti ti permette di espandere le tue capacità artistiche senza spendere un centesimo.

Dove Trovare i Migliori Pennelli Gratuiti per Procreate?

Se ti stai chiedendo dove scaricare i migliori pennelli per Procreate gratuiti, la risposta è semplice: ci sono tantissimi siti web che offrono raccolte complete di pennelli di alta qualità, progettati per ogni tipo di stile artistico. Puoi trovare pennelli per acquerello, pennelli per inchiostro, pennelli per texture e molto altro ancora. La parte migliore? Molti di questi sono completamente gratuiti, pronti per essere scaricati e utilizzati.

Come Scaricare e Installare Pennelli per Procreate

Scaricare e installare i tuoi pennelli per Procreate è un processo semplice:

  1. Trova i pennelli che desideri scaricare da una fonte affidabile.
  2. Scarica i pennelli direttamente sul tuo dispositivo.
  3. Apri Procreate e vai alla tua libreria di pennelli.
  4. Importa i pennelli trascinandoli nella libreria o utilizzando l’opzione “Importa” per selezionare il file dal tuo dispositivo.
  5. Una volta che i pennelli sono stati aggiunti alla libreria, sei pronto per usarli!

I Vantaggi di Usare Pennelli Gratuiti di Alta Qualità

Utilizzare pennelli gratuiti di alta qualità per Procreate non solo migliora il tuo flusso di lavoro, ma ti permette di ottenere risultati professionali senza dover investire in costosi pacchetti di pennelli. Molti di questi pennelli sono progettati da artisti professionisti e possono essere utilizzati per creare texture realistiche, pennellate fluide e dettagli intricati che faranno brillare i tuoi lavori.

I Migliori Pennelli per Procreate del 2024

Per aiutarti a iniziare, abbiamo selezionato alcuni dei migliori pennelli gratuiti per Procreate del 2024. Che tu voglia simulare pennellate a olio, acquerelli realistici o effetti di carboncino, qui troverai tutto ciò di cui hai bisogno. Con oltre 180 pennelli gratuiti, questa è la raccolta definitiva che ogni artista digitale dovrebbe avere a portata di mano.

Sperimenta e Trova i Pennelli Perfetti per il Tuo Stile

Scaricare e installare pennelli per Procreate gratuiti è un ottimo modo per espandere il tuo arsenale artistico senza alcun costo. Sperimenta con questi strumenti e scopri quali si adattano meglio al tuo stile. Grazie alla varietà di texture e possibilità creative, i pennelli per Procreate ti aiuteranno a portare le tue opere a un livello superiore. Non perdere questa occasione per ottenere i migliori pennelli per Procreate gratuiti e migliorare le tue creazioni digitali!

Watercolor Brushes

Stamp Procreate Brushes

Stamp Procreate Brushes Download

BrushUp Procreate Brushes

BrushUp Procreate Brushes Download

Botanical Dynamic Brushes for Procreate

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Aqua Splash Watercolor Brushes

Aqua Splash Watercolor Brushes Download

Soft Watercolour Background Brushes

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Aurora Watercolor Procreate Brushes

Aurora Watercolor Procreate Brushes Download

Watercolor Procreate Brushes Collection

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Watercolor Brush Pack

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Watercolor Brushes for Procreate

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Wet Media Brushes

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Lake Waters Watercolor Brushes

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Haze Long Procreate Watercolor Brush

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Aqua Brush Pack for Procreate

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Abbie’s Watercolour Brushes

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Procreate Watercolor Brush Set

Procreate Watercolor Brush Set Source

Watercolor Brushes for Procreate

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The Watercolor Experience Mini Brush Set for Procreate

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Watercolor Landscape Painting Bundle

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Watercolour Ink Brush

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Gouache Brushes

Gouache Paint Brushes for Procreate

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Gouachey Brushes

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Gouache-ish Brush

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Matt’s Painting Procreate Brushes

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Comic Ink Brush

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Pencil Inks

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Natural Ink Brushes for Procreate

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Ink Manga

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Lettering and Calligraphy Brushes

iPad Lettering Brushes

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Dotted Brush for Procreate Lettering

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Procreate Lettering Brush Duo

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Banner Wave Procreate Brush

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Gracie Brush

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Ombre Calligraphy Brush

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Calligraphy Crayon Brush

Calligraphy Crayon Brush Source

Magic Streaks

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Dry Brush Pen Calligraphy Brush

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Procreate Lettering Brushes

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Calligraphy and Lettering Grid Brushes

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Stripe Brush

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Procreate Brush for Lettering

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Hand Lettering Brushes

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LSpidol Procreate Brush

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Streaky Whip Procreate Brushes

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Procreate App Brushes for Hand Lettering

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Procreate Calligraphy Brushes

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Brush Lettering Procreate Brushes

Brush Lettering Procreate Brushes Source

Lettering Daily Brushes

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Calligraphy Practice Sheets And Procreate Brushes

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Procreate Lettering Brush

Procreate Lettering Brush Source

Procreate Calligraphy Brushes

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Calligraphy Brush Set

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Fire and Ice Procreate Brush

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Handwriting Brushes and Stamps

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Markers Procreate Brushes

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Pastel Brushes

Pencil and Oil Pastels Brushes

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Chalk and Pastel Brushes

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Oil Pastel Canvas Brush

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Pencil and Chalk Brushes

Procreate Pencil Brushes

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Pencil Brushes for Procreate

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Pencil Brushes

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Sketch Pencil Procreate Brushes

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Chalk Mullins Brush

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Procreate Pencil Brushes

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Travel Pencil Case – Procreate Brushes

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COFE’s Pencil Set

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All About Sketching – Brush Set

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Comic Book Mini Brush Set

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Pencil and Pastels Oil Brushes

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Pencil , Inking, Painting Brushes

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COFE’s Pencil Brush Set

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Habook Paint Brushes for Procreate

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Azzylum’s Default Brush Set

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Portrait Drawing Brushes

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Painting and Sketch Brushes

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Sketch Brushes for Procreate

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Emilyamiao Procreate Brushes

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Ink Gang Boss Sketch Box for Procreate

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Wild Textures Mini Brush Set

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Grain and Speckle Brushes for Procreate

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Fur Brushes for Procreate

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Seamless Pattern and Texture Brushes

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Texturize Me Procreate Brushes

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Wood Texture Procreate Brush

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Textile Factory Procreate Brushes

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Ballpoint Pen Procreate Brush

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Fine Liner Brushes for Procreate

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Dashed Lines Brushes for Procreate

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Graffiti Brush Pack

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The Graffiti Box – Procreate Brushes

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Seamless Halftone Brushes for Procreate

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Procreate Brushes Pack

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Basic Geometric Shapes Stamp Brushset

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Realistic Cloudy for Procreate

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Clouds Brush Set for Procreate

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Cloud Brushes

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Skin and Hair Brushes

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Hair Brush Set for Procreate

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Procreate Hair Brushes

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Skin Texture Brush Set

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Skin Details Set

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20 Hair Brushes for Procreate

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Free Fur Brushes

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Hair Base Brushes

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Skin Brushes

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Nilyn Procreate Hair Brushes

Best Free Procreate Brushes 1 Download

Hair Brushes

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Fur Brushes

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Hair Brushes for Procreate

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Hair Brush Set

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Hand Made and Hand Drawn Brushes

Handmade Procreate Pattern Brushes

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Hand Drawn Brushes for Procreate

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Light Brushes

Galactic Lens Procreate Brushes

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Sky Brushes

Constellation Brushes for Procreate

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The Crosshatching Experience Mini Brush Set

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Nature Brushes

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Shader Procreate Brushes

Grim Shader Procreate Brushes

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Shader Procreate Brushes

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Snake Brushes for Procreate

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La Dichiarazione d’Amore della BBC per le Olimpiadi di Parigi 2024

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Le Olimpiadi di Parigi 2024 sono ormai alle porte, e la BBC Sport ha deciso di celebrare l’evento con un incredibile spot animato che ha lasciato tutti senza fiato. Intitolato “Fall in love with the Paris 2024 Olympic Games”, questo video non è solo una presentazione della programmazione olimpica, ma una vera e propria dichiarazione d’amore per la città di Parigi e per lo spirito olimpico.

Un Viaggio Animato Attraverso Parigi

Realizzato da Nexus Studio e diretto dal talentuoso FX Goby, il film d’animazione di 60 secondi mescola le immagini romantiche e iconiche di Parigi con la passione e la determinazione degli atleti olimpici. La palette di colori utilizzata, dominata dalle tonalità del blu e del rosa, riflette perfettamente il brand Paris 2024, creando un’esperienza visiva che è al contempo nostalgica e vibrante.

Nel video, lo spettatore viene condotto in un tour vorticoso attraverso alcuni dei luoghi più riconoscibili della capitale francese: dalla maestosa Torre Eiffel alla storica Cattedrale di Notre Dame, passando per la cupola del Pantheon e le pittoresche colline di Montmartre con vista sulla Senna. Ogni scena è un tributo alla bellezza di Parigi e al fervore sportivo che caratterizza i Giochi Olimpici.

La Magia della Musica

A rendere il tutto ancora più emozionante è la colonna sonora: la celebre canzone “Hymne à l’amour” di Edith Piaf. La scelta di questo brano non è casuale; il suo testo e la sua melodia evocano un profondo senso di amore e appartenenza, amplificando l’impatto emotivo delle immagini e trasportando lo spettatore in un’atmosfera di pura magia.

Reazioni Contraddittorie

La campagna ha suscitato reazioni diverse tra il pubblico francese. Mentre alcuni criticano la rappresentazione idealizzata di Parigi, sostenendo che gli spettatori dei Giochi potrebbero trovarsi di fronte a una realtà molto diversa, altri lodano la bellezza e l’eleganza dello spot, rammaricandosi solo che sia stato prodotto dalla BBC e non da un’emittente francese.

Tra le critiche più accese, i parigini hanno espresso preoccupazione per l’uso della Senna, un fiume notoriamente inquinato, come location per alcune gare. Per dimostrare la sicurezza del fiume, il sindaco di Parigi si è addirittura tuffato nelle sue acque, cercando di convincere i cittadini della non pericolosità della Senna. Questo gesto, seppur simbolico, non ha convinto tutti e ha alimentato ulteriormente il dibattito.

Con questo spot, la BBC Sport non solo conferma il suo ruolo di official broadcaster dei Giochi Olimpici di Parigi 2024, ma regala anche al mondo una visione incantata di una delle città più amate al mondo. È un tributo che celebra lo spirito sportivo e la bellezza della città ospitante, invitando tutti a “innamorarsi” dei Giochi Olimpici di Parigi 2024.

Se vuoi vedere il video e lasciarti trasportare dall’emozione, clicca qui .

E tu, cosa ne pensi di questa campagna? Lascia un commento qui sotto e facci sapere la tua opinione!

Le Lattine di Coca-Cola per Parigi 2024: L’Abbraccio che Unisce il Mondo

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Le Olimpiadi di Parigi 2024 sono alle porte, e Coca-Cola ha svelato un nuovo design per le sue lattine in onore dell’evento. Questo innovativo design celebra l’essenza delle Olimpiadi: l’unità e la collaborazione. Utilizzando il simbolo universale dell’abbraccio, Coca-Cola invita il mondo a unirsi nello spirito dei giochi, superando le barriere e abbracciando la diversità.

Un Simbolo di Unità Globale

Il nuovo design di Coca-Cola non è solo esteticamente piacevole, ma carico di significato. Dopo anni di isolamento e distanziamento sociale a causa della pandemia, l’abbraccio rappresenta il ritorno alla normalità, alla comunità e alla connessione umana. Le lattine, quando affiancate, formano un abbraccio, simbolizzando come l’unione e la vicinanza possano creare qualcosa di straordinario.

Una Campagna Pubblicitaria Che Tocca il Cuore

Oltre alle nuove lattine, Coca-Cola ha lanciato una campagna pubblicitaria che esprime perfettamente il messaggio di unità. Protagoniste dello spot sono le campionesse olimpiche di nuoto Tatjana Schoenmaker, Lilly King, Annie Lazor e Kaylene Corbett. Nonostante la loro rivalità sportiva, lo spot le mostra unite in un abbraccio caloroso, celebrando lo spirito inclusivo e di supporto delle Olimpiadi.

Lo spot mostra Tatjana Schoenmaker che avvista Lilly King, Kaylene Corbett e Annie Lazor e si avvicina per abbracciarle. Questo gesto ispira una spettatrice tra il pubblico a fare lo stesso con un venditore sugli spalti, scatenando un effetto a catena di abbracci in tutto lo stadio, nelle strade di Parigi e nel mondo. Il video si conclude con due astronauti che si abbracciano nello spazio, unendo simbolicamente il mondo intero.

Design Innovativo e Artisti Talentuosi

Coca-Cola ha collaborato con artisti francesi di talento come Laura Normand, Aurélia Durand e Bruno Mangyoku per creare tre design unici. Ogni artista ha interpretato l’abbraccio in modo diverso, dando vita a lattine che, affiancate, formano un abbraccio completo. Questo design non solo celebra le Olimpiadi, ma incoraggia anche la condivisione e la connessione tra le persone.

Un Progetto di WPP Open X e Ogilvy

La campagna, parte della collaborazione di lunga data tra Coca-Cola e il Movimento Olimpico, è stata sviluppata da WPP Open X e guidata da Ogilvy. Questo team ha saputo catturare l’essenza delle Olimpiadi e il messaggio di unità e inclusività, creando una campagna che non solo celebra l’evento sportivo, ma ispira anche un sentimento di connessione globale. Le storie dietro i design saranno amplificate attraverso OOH, social media e punti vendita in tutto il paese.

“Ciascuno di noi ha la propria storia,” dice Islam ElDessouky di The Coca-Cola Company. “Le nostre differenze sono ciò che ci rende unici, ma quando ci uniamo, è lì che avviene la vera magia. Abbiamo voluto incarnare questo spirito in tutti i punti di contatto della nostra esperienza e fare dell’abbraccio di Coca-Cola il simbolo per Parigi 2024, elevando i nostri contenuti in modi dinamici e coinvolgenti che risuonano con i fan in visita nella città e oltre.”

Come presentare il tuo concept in maniera efficace

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Nel mondo del design, presentare un concept a un cliente è un momento cruciale. Non si tratta solo di mostrare il proprio lavoro, ma anche di comunicare efficacemente la visione, la strategia e i dettagli del progetto. Ecco una guida passo passo per garantire che il cliente comprenda e apprezzi il valore del tuo lavoro, basata su consigli ed esperienze di esperti del settore.

1. Cattura l’attenzione fin dall’inizio

  • Elemento visivo forte: Inizia con un’immagine o un mockup che rappresenti l’essenza del progetto. Deve essere visivamente accattivante e rappresentativo del tuo lavoro.
  • Titoli accattivanti: Usa titoli chiari e coinvolgenti per delineare l’obiettivo del progetto.
  • Introduzione incisiva: Fornisci una breve introduzione che chiarisca immediatamente gli obiettivi del progetto.

2. Racconta una storia

  • Struttura narrativa: Inizia presentando il problema, spiegane l’importanza e poi introduci la tua soluzione. Questo approccio aiuta a coinvolgere il cliente e mostra il pensiero strategico dietro il design.
  • Empatia: Dimostra di comprendere le sfide e le esigenze del cliente, creando una connessione emotiva.

3. Mostra il prodotto finale

  • Anteprima: Prima di entrare nei dettagli, fornisci una visione chiara del prodotto finale attraverso mockup o prototipi. Questo aiuta il cliente a visualizzare immediatamente il risultato.

4. Usa dati visivi

  • Rappresentazioni grafiche: Utilizza grafici, infografiche e diagrammi per presentare i dati in modo chiaro e comprensibile. Strumenti come Google Survey o Figma possono essere utili per creare questi elementi visivi.
  • Professionalità: I dati visivi aggiungono un tocco professionale alla tua presentazione e rendono le informazioni più accessibili.

5. Racconta il processo

  • Design thinking: Spiega il processo che ti ha portato alla soluzione finale. Descrivi le fasi del tuo lavoro, gli strumenti e i metodi utilizzati.
  • Ispirazione: Condividi le fonti di ispirazione e il flusso di coscienza che ha guidato le tue scelte di design.

6. Incorpora feedback e test

  • Usabilità: Parla dei test di usabilità e delle interviste agli utenti. Mostra come il feedback ha influenzato il tuo lavoro.
  • Ricerche reali: Dimostra che il tuo design è basato su dati reali e tiene conto delle esigenze degli utenti finali.

7. Sii preparato a riflettere e adattarti

  • Apprendimento continuo: Ogni progetto offre opportunità di apprendimento. Mostra che sei capace di riflettere sui feedback e di adattare il tuo lavoro di conseguenza.

8. Usa la creatività per mantenere l’attenzione

  • Elementi visivi: Incorpora immagini accattivanti, utilizza il colore e gioca con la tipografia per rendere la presentazione dinamica e interessante.
  • Varietà: Alterna tra diversi tipi di contenuti per mantenere l’interesse del cliente.

9. Presenta soluzioni, non solo design

  • Problem-solving: Oltre a mostrare il design, spiega come esso risolve specifici problemi del cliente o soddisfa le esigenze degli utenti.
  • Valore aggiunto: Identifica e risolvi criticità nascoste, dimostrando che il tuo design supera le aspettative del cliente.

10. Concludi con una call to action

  • Chiamata all’azione: Termina la presentazione con una chiara indicazione di cosa deve succedere dopo, che sia avanzare alla fase successiva del progetto, discutere dettagli finanziari o raccogliere ulteriori feedback.

Presentare un concept di design in modo efficace richiede competenze specifiche che vanno oltre il semplice mostrare il proprio lavoro. Richiede narrazione, pensiero critico, uso efficace dei dati, riflessione e, soprattutto, una profonda comprensione del cliente e del suo pubblico. Seguendo questi passi, riuscirai a creare una presentazione che non solo impressionerà il cliente, ma che risuonerà profondamente, convincendolo della validità della tua soluzione.

“Optic”

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Pubblicato da Counter-Print
Optic: effetti ottici nel design grafico

“Optic” esplora il ponte tra l’arte Op degli anni ‘60 e il design grafico contemporaneo. dinamismo, energia e vitalità si fondono nelle pagine di questo viaggio ottico, rivelando sperimentazioni ed esiti inaspettati. Un’avventura attraverso 200 pagine di effetti ottici che hanno modellato il linguaggio del design. “Optic”: il tuo invito a distinguere, imparare e innovare nel design grafico.

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Perché le illusioni ottiche affascinano tanto i designer grafici? Questi effetti sono spesso presenti in amati design di libri, packaging e branding in tutto il mondo. Nel suo ultimo libro, intitolato “Optic”, Counter-Print si immerge a capofitto in questo affascinante ambito dell’arte e del design.

Scritto da Katy Cowan il 13 luglio 2023, “Optic” è una lettura imprescindibile per ogni creativo attento che desidera approfondire la conoscenza dell’Op Art di metà anni ’60 e il suo impatto continuativo sul linguaggio del design grafico, forse più di qualsiasi altro movimento.

Ricco di ispirazione, il libro copre tutto, dalle strutture periodiche e sistemi interrotti al rilievo, dagli oggetti impossibili alla diffusione e all’illusione isometrica. Ogni sezione rivela le forme uniche e le tecniche che i designer di talento impiegano per creare immagini mozzafiato.

Come ci si aspetta da Counter-Print, il libro è un vero e proprio banchetto di intuizioni, contenendo interviste con artisti e studi di primo piano come Abby Haddican, Daughter, Toko, Classmate, Mainstudio, Manifiesto, Study LLC., Burrow e Parker Studio, tutti pronti a condividere di più sulle loro carriere e sull’uso delle illusioni ottiche nel loro lavoro.

“Le illusioni ottiche possiedono un’attrazione magnetica per i creativi, e non c’è da meravigliarsi,” spiega Jon Dowling, co-fondatore di Counter-Print. “Prendiamo, ad esempio, il Woolmark, un uso esemplare ed elegante dell’Op Art nel design grafico, ideato dal designer italiano Franco Grignani e lanciato in Gran Bretagna nel 1964. Questa creazione iconica esemplifica il potere affascinante delle illusioni ottiche.

“Andando più a fondo nell’epoca, troviamo numerosi design con una forte influenza Op, come l’identità delle Olimpiadi di Messico 1968 di Lance Wyman e il logo dei Giochi di Monaco 1972 di Otl Aicher. Questi design dimostrano vividamente come l’Op Art abbia ispirato e modellato il design grafico, lasciando un segno indelebile nelle menti creative.”

“Optic” segue i popolari titoli “Big Type” e “Mascot” di Counter-Print, rilasciati l’anno scorso, dove l’editore esamina a fondo un tema unico nel regno del design grafico e dell’illustrazione. “Ci piace molto esplorare temi che non solo stimolano la nostra curiosità ma risuonano anche con l’output visivo dei designer,” racconta Jon a Creative Boom.

Un tema ricorrente in “Optic” che spicca è l’importanza del bianco e nero nella creazione di effetti ottici. “È evidente che storicamente, molte opere ben note nell’ambito dell’arte ottica sono state create prevalentemente in bianco e nero. Lo stesso vale oggi, e ci sono due ragioni principali dietro questa scelta,” afferma Jon. “In primo luogo, il solo bianco e nero hanno il potenziale per ottenere un’ampia gamma di effetti ottici. Escludendo il colore, gli artisti possono concentrarsi sulla manipolazione dei toni e dei contrasti per produrre le illusioni visive desiderate. Rimuovere le complessità associate al colore permette un’esplorazione più diretta del fenomeno ottico in gioco.

“In secondo luogo, il contrasto tra bianco e nero porta con sé un’intrinseca drammaticità e dinamismo. Possiede un impatto visivo che supera l’uso del colore. Questo contrasto elevato aiuta a rendere le forme distinte e ben definite, cruciale per che certi effetti ottici vengano efficacemente trasmessi.”

Ci sono molti altri esempi all’interno di “Optic” che dimostrano l’influenza continua dell’Op Art sul design contemporaneo. Un caso è il lavoro di Underline per Halo, un birrificio e taproom che è stato piuttosto avventuroso nel suo branding.

“Il lavoro di Underline per Halo prende le ricette tradizionali di stili di birra rari e sperimenta con gli ingredienti, quindi l’uso dell’illusione ottica e la sua natura sperimentale sono molto appropriati,” dice Jon. “I designer sono stati ispirati dall’obiettivo di distinguere Halo dagli altri birrifici artigianali creando un sistema di marca e etichette che sfidano il linguaggio visivo comune nell’industria. Volevano catturare la natura avventurosa e non convenzionale del birrificio attraverso i loro design. Penso che l’Op Art, in questo contesto, funzioni molto bene per trasmettere il messaggio del marchio.”

“Naturalmente,” ammette Jon, “è sempre difficile selezionare un singolo lavoro quando si compilano libri come questi, e ci sono molti altri esempi che i designer troveranno utili e coinvolgenti. Spero che il lettore possa percepire l’ampiezza delle possibilità che l’illusione ottica può portare al loro lavoro,” aggiunge Jon.

“In definitiva, speriamo che i designer acquisiscano una comprensione e un’apprezzamento della ricca storia e dell’influenza dell’Op Art nel design grafico. Questo libro mira a esaminare gli effetti ottici presenti nel design grafico moderno, distinguendo le varie forme e mostrando come l’Op Art abbia iniettato dinamismo, energia e vitalità nel linguaggio del design grafico. Alla fine, speriamo che i designer traggano ispirazione e un più profondo apprezzamento per l’influenza dell’Op Art.”

Bob Noorda: Pioniere della Segnaletica Urbana e del Branding Aziendale

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Bob Noorda, nato nei Paesi Bassi nel 1927, è considerato uno dei graphic designer più innovativi e carismatici del Novecento. Trasferitosi a Milano negli anni ’50, Noorda ha rivoluzionato il design della segnaletica urbana e il branding aziendale, diventando un’icona del design. I suoi lavori rappresentano mezzo secolo di storia del graphic design, passando dal concetto di grafica funzionale alla nascita dell’idea di “immagine coordinata”. Quest’ultima, creata per la prima volta da Noorda per la Metropolitana di Milano, era una nozione rivoluzionaria per gli anni Cinquanta, oggi considerata scontata.

Grazie a Noorda, l’Italia del secondo dopoguerra si aprì a nuove sperimentazioni grafiche, abbandonando il clima artistico e mondano della prima metà del secolo. Come racconta lo stesso Noorda, quando arrivò a Milano nel 1956, gli industriali e gli impresari affidavano ancora le campagne pubblicitarie a illustratori e pittori, legando la pubblicità alla figura dell’artista piuttosto che al concetto di brand identity. Noorda si era diplomato nel 1950 ad Amsterdam presso l’Ivkno (Instituut voor Kunstnijverheidsonderwijs, oggi noto come Academie Gerrit Rietveld), ricevendo una formazione funzionalista ispirata ai principi della Bauhaus e del Costruttivismo. Questo background architettonico lo spinse a trasportare i ragionamenti logico-razionali della progettazione di un edificio nel settore della grafica, privilegiando la funzionalità e l’eliminazione di elementi superflui. Questo processo creativo si adattava perfettamente allo sviluppo dell’immagine coordinata, che Noorda definiva come “un misto di architettura, interni, design e pubblicità”.

Durante il suo soggiorno in Italia, Noorda collaborò con altri importanti graphic designer italiani del periodo, come Bruno Munari. Nel 1961 iniziò a lavorare come art director per Pirelli e come consulente artistico per La Rinascente. Nel 1965, fondò l’Unimark International a Chicago insieme a Ralph Eckerstrom, Massimo Vignelli, James Fogelman, Wally Gutches, Larry Klein e Robert Moldafsky.

Noorda sviluppò progetti grafici per alcune delle più importanti aziende italiane, come Feltrinelli, Mondadori, e Touring Club Italiano (nel campo dell’editoria), Eni, Pirelli e Barilla (per la grande distribuzione organizzata), Coop, La Rinascente, Upim e Agip. Oltre all’immagine coordinata per la Metropolitana di Milano, realizzò progetti anche per le metropolitane di New York e San Paolo.

Noorda applicò la stessa filosofia nella creazione di loghi e identità visive per noti brand italiani come Mondadori, Agip, ENEL e COOP, trasformando i loro marchi in simboli chiari e memorabili che comunicano efficacemente i valori aziendali. Nei suoi lavori, riuscì a combinare il rigore tradizionale della cultura olandese con la fantasia e la creatività italiana, ottenendo un perfetto equilibrio tra forma e funzione in una visione laica della grafica contemporanea.

Noorda ha sempre mantenuto una visione di libertà nel suo lavoro, considerandosi un freelance anche nei ruoli istituzionali, come quando era art director per Pirelli. Questa indipendenza gli ha permesso di esplorare e innovare senza vincoli, portando a soluzioni di design che servono chiaramente il loro scopo e migliorano la vita quotidiana.

Un esempio emblematico del suo lavoro è il manifesto Pirelli per lo pneumatico Rolle del 1959. Qui, il nome “Rolle” è riportato in grigio nella parte superiore e messo in evidenza da caratteri cubitali. Lo pneumatico, rappresentato da uno spesso copertone nero, ha un cerchione composto dal marchio Pirelli che, colorato, si ripete e ruota attorno a un invisibile perno centrale, catturando l’occhio dello spettatore. Questo elemento grafico, moltiplicandosi in infinite dilatazioni spazio-temporali, conferisce all’immagine l’idea del movimento.

 

 

Massimo Vignelli: “If you can design one thing, you can design everything”

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Massimo Vignelli, esponente di spicco del design italiano a New York, ha saputo combinare il rigore del modernismo grafico europeo con l’abilità tecnica del design americano. Nato nel 1931, Vignelli ha studiato all’Accademia di Brera di Milano e alla Facoltà di Architettura di Venezia, laureandosi nel 1957.

Durante gli anni universitari, Vignelli ha iniziato a dedicarsi alla progettazione grafica di giornali, libri e packaging, distaccandosi progressivamente dall’architettura. Come egli stesso afferma in “Vignelli: from A to Z”, “il processo architettonico era troppo lento in confronto alla velocità del processo di progettazione” grafica. Questo lo spinse a concentrarsi maggiormente sul design, pur mantenendo un forte legame con l’architettura, una passione che ha coltivato per tutta la vita.

Dopo la laurea, Vignelli iniziò a insegnare design all’Illinois Institute of Technology di Chicago. Negli anni Sessanta, insegnò all’Umanitaria di Milano e all’Istituto per il Disegno Industriale di Venezia. Durante questo periodo, Vignelli acquisì rilevanza internazionale: disegnò i manifesti per la XXXI e la XXXII Biennale di Venezia, le copertine per la Biblioteca Sansoni (1963) e rinnovò l’immagine del Piccolo Teatro di Milano (1964). Nel 1965 partecipò alla fondazione dell’ADI (Associazione per il Disegno Industriale) e fu membro del Gruppo di Studio dell’International Council of Societies of Industrial Design. Negli stessi anni, co-fondò l’Unimark International Corporation e divenne responsabile della sede di New York. Nel 1972, fondò con la moglie Lella la Vignelli Associates a New York. I suoi lavori sono esposti nelle collezioni permanenti di importanti musei come il MoMA e il Metropolitan di New York.

Durante la sua carriera, Vignelli si è occupato principalmente di corporate identity, allestimenti interni, design del prodotto e packaging, mostrando una grande versatilità nello sviluppo progettuale. Uno dei suoi principi fondamentali era: “Design is one – it is not many different ones.” Secondo Vignelli, il design è un’unica disciplina declinabile in vari ambiti, richiedendo lo stesso tipo di metodo progettuale.

Tra i suoi lavori più celebri, si possono citare il marchio ideato per l’American Airlines (1967) e la mappa della metropolitana di New York (1966) e Washington (1968). Dal 1966, Vignelli si dedicò alla corporate identity della Knoll, creando biglietti da visita, brochure, flyer, adesivi e annunci pubblicitari. Il suo lavoro per Knoll si distingue per la semplificazione visiva, il rigore geometrico e l’uso di caratteri tipografici autorevoli come l’Helvetica.

Vignelli sosteneva che “i manifesti mantengono il loro valore come elemento vitale dell’identità aziendale nonostante la proliferazione di altri media.” Un esempio è il manifesto per Knoll International del 1967, che utilizza colori primari sottrattivi e il logotipo Knoll in lettere cubitali sovrapposte. Questo manifesto dimostra la capacità di Vignelli di creare immagini intriganti e accattivanti con pochi colori, caratteri tipografici e un uso sapiente dello spazio. Sul retro del manifesto, l’intera collezione Knoll è visibile solo a poster ripiegato, mostrando un attento studio della griglia spaziale, chiara e organizzata. In tutto il manifesto, il logotipo aziendale in Helvetica bold colorato comunica splendidamente il potere e l’eleganza del marchio Knoll.

 

Rovagnati Svela il Nuovo Logo: moderno ma con richiami alle sue radici

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Il rinomato produttore italiano di salumi, Rovagnati, ha recentemente presentato al mondo la sua nuova identità visiva, culminando in un logo completamente rinnovato che simboleggia l’evoluzione del brand ma richiamando nella tipografia della R il marchio originale. Questo aggiornamento di immagine è frutto di un intenso anno di lavoro, che ha visto la collaborazione tra il team interfunzionale di Rovagnati e il team creativo di Connexia, una realtà leader nel settore del marketing e della comunicazione parte della MarTech Company Retex.

Dettagli del Nuovo Logo

Il cuore del redesign è focalizzato sulla lettera “R”, elemento centrale del logo che si trasforma mantenendo un legame visivo con il marchio originale del 1970. Il nuovo carattere tipografico adottato per il logo presenta linee curve e regolari, progettate per evocare la storia dell azienda Rovagnati e per conferire un aspetto più moderno e accessibile. La scelta di mantenere la “R” come elemento distintivo rispecchia una continuità visiva, pur introducendo un’interpretazione più fresca e attuale.

Il colore gioca un ruolo cruciale nella nuova identità, con l’adozione dei toni della bandiera italiana — verde, bianco e rosso — che abbracciano il nome del brand. Questa scelta non solo rafforza l’italianità del marchio, ma aumenta anche l’immediatezza visiva del logo, rendendolo più accattivante e riconoscibile su diverse piattaforme e supporti.

Il Processo Creativo e l’Innovazione nel Design

Il processo di redesign è stato guidato da una stretta collaborazione tra il team di design interno di Rovagnati e il team creativo di Connexia. Il progetto ha richiesto un approccio interdisciplinare, coinvolgendo esperti di brand identity, designer grafici, e specialisti in strategie di marketing. Questa sinergia ha permesso di esplorare diverse direzioni creative, assicurando che il nuovo logo non solo rispecchiasse l’identità storica di Rovagnati, ma anche le sue ambizioni future.

L’obiettivo era creare un logo che trasmettesse i valori di qualità, tradizione e sostenibilità, elementi fondamentali per Rovagnati. Il nuovo pay-off, “Il Buono fatto Bene”, sottolinea questi valori, con un focus particolare sulla qualità superiore dei prodotti e sulla produzione sostenibile. Questo messaggio è ora visivamente rappresentato nel design del logo, che unisce estetica e etica in un unico simbolo potente.

Implicazioni per il Branding e la Comunicazione

La nuova identità visiva di Rovagnati non è solo un cambiamento grafico, ma rappresenta un rinnovato impegno verso la sostenibilità e l’espansione internazionale. Il Managing Director e Board Member Gabriele Rusconi ha sottolineato come il nuovo logo faciliti la comunicazione di questi obiettivi, migliorando la percezione del brand sui mercati globali e rafforzando la sua presenza nei punti vendita e nei canali digitali.

L’aggiornamento del logo sarà implementato gradualmente su tutti i touchpoint del brand, dai packaging ai materiali promozionali e online, segnando una nuova era nella storia di Rovagnati, con un occhio sempre attento alle origini italiane e uno sguardo deciso verso le nuove sfide del mercato globale.

Il nuovo logo di Rovagnati rappresenta una fusione perfetta di tradizione e innovazione, consolidando l’immagine di un’azienda che continua a crescere e a innovarsi, senza mai dimenticare le radici che l’hanno resa famosa. Questo restyling non solo rafforza la sua identità di marca ma segna anche un passo significativo verso un futuro sostenibile e internazionale, dimostrando come il design possa essere al servizio di strategie aziendali più ampie e complesse.

 

 

font del giorno: Kate

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Kate, di Jérémie Gauthier, è un elegante carattere serif ispirato al mondo del lusso. Il carattere tipografico Kate include 3 pesi di carattere, legature fantastiche, numeri e molte alternative.
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