180 Pennelli Gratuiti per Procreate: La Raccolta Definitiva per Artisti Digitali

Gouachey Brushes

Gouache-ish Brush

Matt’s Painting Procreate Brushes

Ink Brushes

Comic Ink Brush

Pencil Inks

Natural Ink Brushes for Procreate

Ink Manga

Altered Inka Brush

Inktober Brushes

Lettering and Calligraphy Brushes

iPad Lettering Brushes

Dotted Brush for Procreate Lettering

Procreate Lettering Brush Duo

Banner Wave Procreate Brush

Gracie Brush

Ombre Calligraphy Brush

Calligraphy Crayon Brush

Magic Streaks

Dry Brush Pen Calligraphy Brush

Procreate Lettering Brushes

Calligraphy and Lettering Grid Brushes

Stripe Brush

Procreate Brush for Lettering

Hand Lettering Brushes

LSpidol Procreate Brush

Streaky Whip Procreate Brushes

Procreate App Brushes for Hand Lettering

Procreate Calligraphy Brushes

Brush Lettering Procreate Brushes

Lettering Daily Brushes

Calligraphy Practice Sheets And Procreate Brushes

Procreate Lettering Brush

Procreate Calligraphy Brushes

Calligraphy Brush Set

Fire and Ice Procreate Brush

Handwriting Brushes and Stamps

Markers Procreate Brushes

Pastel Brushes

Pencil and Oil Pastels Brushes

Chalk and Pastel Brushes

Oil Pastel Canvas Brush

Crayon Brushes

Pencil and Chalk Brushes

Procreate Pencil Brushes

Pencil Brushes for Procreate

iPad Procreate Brushes

Pencil Brushes

Sketch Pencil Procreate Brushes

Chalk Mullins Brush

Procreate Pencil Brushes

Travel Pencil Case – Procreate Brushes

Chalk Lettering Brush

Rainbow Magic Pencil Brush

COFE’s Pencil Set

All About Sketching – Brush Set

Pepper Sketch Brushset

Xerox Pencil Set

Comic Book Mini Brush Set

Pencil and Pastels Oil Brushes

Pencil , Inking, Painting Brushes

COFE’s Pencil Brush Set

Paint and Sketch Brushes

Oil Paint Brushes

Bristle Brush Linen Procreate Brush

Jingsketch Procreate Brushes

Oil Painting Brush

Chunky Brush

Habook Paint Brushes for Procreate

Sketch Brushes

Van Gogh Procreate Brushes

Azzylum’s Default Brush Set

Portrait Drawing Brushes

Painting and Sketch Brushes

Oil Painting Brushes

Sketch Brushes for Procreate

Emilyamiao Procreate Brushes

Stencil Kit Procreate Brushes

Glitter Brushes for Procreate

Sketch Brushes

Ink Gang Boss Sketch Box for Procreate

Procreate Glitter Brushes

Basics Procreate Brushes

Texture Brushes

Grain Procreate Brushes

Texture Brushes

Texture Procreate Brushes

Grim Shader Procreate Brushes

Flora Vegetation Brushes

Texture Brushes for Procreate

Fabric Texture Brushes

Glitter and Texture Brushes

Procreate Marble Texture Brushes

Textured Pencil Procreate Brush

Grain Brushes

Wild Textures Mini Brush Set

Stippling Brush Set

Grain and Speckle Brushes for Procreate

Fur Brushes for Procreate

Gradient Brushes for Procreate

Seamless Pattern and Texture Brushes

Textures Brush

Texturize Me Procreate Brushes

Wood Texture Procreate Brush

Procreate Paper Brushes

Checkered Texture Brushes for Procreate

Charcoal Brushes

Textile Factory Procreate Brushes

Liner Brushes

Liner Procreate Brushes

Fine Liner Brush

Great Liners Brushes

Ballpoint Pen Procreate Brush

Fine Liner Brushes for Procreate

Dashed Lines Brushes for Procreate

Graffiti Brushes

Procreate Graffiti Brushes

Graffiti Brush Pack

The Graffiti Box – Procreate Brushes

Halftone Brushes

Comics Grunge Procreate Brushes

Seamless Halftone Brushes for Procreate

Pack De Brushinho

Comics Halftone Procreate Brushes

Procreate Brushes Pack

Steal This Brush Pack

Free Procreate Brushes

Pixel Brushes

Pixel Art Procreate Brushes

Pixel Art Experience Brush Set

Shapes Brushes

Shape Brushes Pack

Shape Brushes Pack For Procreate

Basic Geometric Shapes Stamp Brushset

Floral Brushes

Procreate Floral Stamp Brushes

Floral Stamp Brushes

Flower Ink Stamp Brushes

Cloud Brushes

Clouds Brush Set

Realistic Cloudy for Procreate

Clouds Brush Set for Procreate

Cloud Brushes

Skin and Hair Brushes

Skin Brushes for Procreate

Hair Brush Set for Procreate

Procreate Hair Brushes

Skin Texture Brush Set

Skin Details Set

20 Hair Brushes for Procreate

Free Fur Brushes

Hair Base Brushes

Skin Brushes

Nilyn Procreate Hair Brushes

Hair Brushes

Fur Brushes

Hair Brushes for Procreate

Hair Brush Set

Hand Made and Hand Drawn Brushes

Handmade Procreate Pattern Brushes

Hand Drawn Brushes for Procreate

Light Brushes

Galactic Lens Procreate Brushes

Sky Brushes

Constellation Brushes for Procreate

Bokeh Brushes

Anime Bokeh Brushes

Neon Brushes

Neon Brush Set for Procreate

Tattoo Brushes

Stipple Procreate Brushes

The Crosshatching Experience Mini Brush Set

Nature Brushes

Tree Stamps for Procreate

Shader Procreate Brushes

Grim Shader Procreate Brushes

Shader Procreate Brushes

Snake Brushes for Procreate

La Dichiarazione d’Amore della BBC per le Olimpiadi di Parigi 2024

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20 Luglio 2024

Le Olimpiadi di Parigi 2024 sono ormai alle porte, e la BBC Sport ha deciso di celebrare l’evento con un incredibile spot animato che ha lasciato tutti senza fiato. Intitolato “Fall in love with the Paris 2024 Olympic Games”, questo video non è solo una presentazione della programmazione olimpica, ma una vera e propria dichiarazione d’amore per la città di Parigi e per lo spirito olimpico.

Un Viaggio Animato Attraverso Parigi

Realizzato da Nexus Studio e diretto dal talentuoso FX Goby, il film d’animazione di 60 secondi mescola le immagini romantiche e iconiche di Parigi con la passione e la determinazione degli atleti olimpici. La palette di colori utilizzata, dominata dalle tonalità del blu e del rosa, riflette perfettamente il brand Paris 2024, creando un’esperienza visiva che è al contempo nostalgica e vibrante.

Nel video, lo spettatore viene condotto in un tour vorticoso attraverso alcuni dei luoghi più riconoscibili della capitale francese: dalla maestosa Torre Eiffel alla storica Cattedrale di Notre Dame, passando per la cupola del Pantheon e le pittoresche colline di Montmartre con vista sulla Senna. Ogni scena è un tributo alla bellezza di Parigi e al fervore sportivo che caratterizza i Giochi Olimpici.

La Magia della Musica

A rendere il tutto ancora più emozionante è la colonna sonora: la celebre canzone “Hymne à l’amour” di Edith Piaf. La scelta di questo brano non è casuale; il suo testo e la sua melodia evocano un profondo senso di amore e appartenenza, amplificando l’impatto emotivo delle immagini e trasportando lo spettatore in un’atmosfera di pura magia.

Reazioni Contraddittorie

La campagna ha suscitato reazioni diverse tra il pubblico francese. Mentre alcuni criticano la rappresentazione idealizzata di Parigi, sostenendo che gli spettatori dei Giochi potrebbero trovarsi di fronte a una realtà molto diversa, altri lodano la bellezza e l’eleganza dello spot, rammaricandosi solo che sia stato prodotto dalla BBC e non da un’emittente francese.

Tra le critiche più accese, i parigini hanno espresso preoccupazione per l’uso della Senna, un fiume notoriamente inquinato, come location per alcune gare. Per dimostrare la sicurezza del fiume, il sindaco di Parigi si è addirittura tuffato nelle sue acque, cercando di convincere i cittadini della non pericolosità della Senna. Questo gesto, seppur simbolico, non ha convinto tutti e ha alimentato ulteriormente il dibattito.

Con questo spot, la BBC Sport non solo conferma il suo ruolo di official broadcaster dei Giochi Olimpici di Parigi 2024, ma regala anche al mondo una visione incantata di una delle città più amate al mondo. È un tributo che celebra lo spirito sportivo e la bellezza della città ospitante, invitando tutti a “innamorarsi” dei Giochi Olimpici di Parigi 2024.

Se vuoi vedere il video e lasciarti trasportare dall’emozione, clicca qui .

E tu, cosa ne pensi di questa campagna? Lascia un commento qui sotto e facci sapere la tua opinione!

Le Lattine di Coca-Cola per Parigi 2024: L’Abbraccio che Unisce il Mondo

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17 Luglio 2024

Le Olimpiadi di Parigi 2024 sono alle porte, e Coca-Cola ha svelato un nuovo design per le sue lattine in onore dell’evento. Questo innovativo design celebra l’essenza delle Olimpiadi: l’unità e la collaborazione. Utilizzando il simbolo universale dell’abbraccio, Coca-Cola invita il mondo a unirsi nello spirito dei giochi, superando le barriere e abbracciando la diversità.

Un Simbolo di Unità Globale

Il nuovo design di Coca-Cola non è solo esteticamente piacevole, ma carico di significato. Dopo anni di isolamento e distanziamento sociale a causa della pandemia, l’abbraccio rappresenta il ritorno alla normalità, alla comunità e alla connessione umana. Le lattine, quando affiancate, formano un abbraccio, simbolizzando come l’unione e la vicinanza possano creare qualcosa di straordinario.

Una Campagna Pubblicitaria Che Tocca il Cuore

Oltre alle nuove lattine, Coca-Cola ha lanciato una campagna pubblicitaria che esprime perfettamente il messaggio di unità. Protagoniste dello spot sono le campionesse olimpiche di nuoto Tatjana Schoenmaker, Lilly King, Annie Lazor e Kaylene Corbett. Nonostante la loro rivalità sportiva, lo spot le mostra unite in un abbraccio caloroso, celebrando lo spirito inclusivo e di supporto delle Olimpiadi.

Lo spot mostra Tatjana Schoenmaker che avvista Lilly King, Kaylene Corbett e Annie Lazor e si avvicina per abbracciarle. Questo gesto ispira una spettatrice tra il pubblico a fare lo stesso con un venditore sugli spalti, scatenando un effetto a catena di abbracci in tutto lo stadio, nelle strade di Parigi e nel mondo. Il video si conclude con due astronauti che si abbracciano nello spazio, unendo simbolicamente il mondo intero.

Design Innovativo e Artisti Talentuosi

Coca-Cola ha collaborato con artisti francesi di talento come Laura Normand, Aurélia Durand e Bruno Mangyoku per creare tre design unici. Ogni artista ha interpretato l’abbraccio in modo diverso, dando vita a lattine che, affiancate, formano un abbraccio completo. Questo design non solo celebra le Olimpiadi, ma incoraggia anche la condivisione e la connessione tra le persone.

Un Progetto di WPP Open X e Ogilvy

La campagna, parte della collaborazione di lunga data tra Coca-Cola e il Movimento Olimpico, è stata sviluppata da WPP Open X e guidata da Ogilvy. Questo team ha saputo catturare l’essenza delle Olimpiadi e il messaggio di unità e inclusività, creando una campagna che non solo celebra l’evento sportivo, ma ispira anche un sentimento di connessione globale. Le storie dietro i design saranno amplificate attraverso OOH, social media e punti vendita in tutto il paese.

“Ciascuno di noi ha la propria storia,” dice Islam ElDessouky di The Coca-Cola Company. “Le nostre differenze sono ciò che ci rende unici, ma quando ci uniamo, è lì che avviene la vera magia. Abbiamo voluto incarnare questo spirito in tutti i punti di contatto della nostra esperienza e fare dell’abbraccio di Coca-Cola il simbolo per Parigi 2024, elevando i nostri contenuti in modi dinamici e coinvolgenti che risuonano con i fan in visita nella città e oltre.”

Come presentare il tuo concept in maniera efficace

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14 Luglio 2024

Nel mondo del design, presentare un concept a un cliente è un momento cruciale. Non si tratta solo di mostrare il proprio lavoro, ma anche di comunicare efficacemente la visione, la strategia e i dettagli del progetto. Ecco una guida passo passo per garantire che il cliente comprenda e apprezzi il valore del tuo lavoro, basata su consigli ed esperienze di esperti del settore.

1. Cattura l’attenzione fin dall’inizio

Elemento visivo forte: Inizia con un’immagine o un mockup che rappresenti l’essenza del progetto. Deve essere visivamente accattivante e rappresentativo del tuo lavoro.
Titoli accattivanti: Usa titoli chiari e coinvolgenti per delineare l’obiettivo del progetto.
Introduzione incisiva: Fornisci una breve introduzione che chiarisca immediatamente gli obiettivi del progetto.

2. Racconta una storia

Struttura narrativa: Inizia presentando il problema, spiegane l’importanza e poi introduci la tua soluzione. Questo approccio aiuta a coinvolgere il cliente e mostra il pensiero strategico dietro il design.
Empatia: Dimostra di comprendere le sfide e le esigenze del cliente, creando una connessione emotiva.

3. Mostra il prodotto finale

Anteprima: Prima di entrare nei dettagli, fornisci una visione chiara del prodotto finale attraverso mockup o prototipi. Questo aiuta il cliente a visualizzare immediatamente il risultato.

4. Usa dati visivi

Rappresentazioni grafiche: Utilizza grafici, infografiche e diagrammi per presentare i dati in modo chiaro e comprensibile. Strumenti come Google Survey o Figma possono essere utili per creare questi elementi visivi.
Professionalità: I dati visivi aggiungono un tocco professionale alla tua presentazione e rendono le informazioni più accessibili.

5. Racconta il processo

Design thinking: Spiega il processo che ti ha portato alla soluzione finale. Descrivi le fasi del tuo lavoro, gli strumenti e i metodi utilizzati.
Ispirazione: Condividi le fonti di ispirazione e il flusso di coscienza che ha guidato le tue scelte di design.

6. Incorpora feedback e test

Usabilità: Parla dei test di usabilità e delle interviste agli utenti. Mostra come il feedback ha influenzato il tuo lavoro.
Ricerche reali: Dimostra che il tuo design è basato su dati reali e tiene conto delle esigenze degli utenti finali.

7. Sii preparato a riflettere e adattarti

Apprendimento continuo: Ogni progetto offre opportunità di apprendimento. Mostra che sei capace di riflettere sui feedback e di adattare il tuo lavoro di conseguenza.

8. Usa la creatività per mantenere l’attenzione

Elementi visivi: Incorpora immagini accattivanti, utilizza il colore e gioca con la tipografia per rendere la presentazione dinamica e interessante.
Varietà: Alterna tra diversi tipi di contenuti per mantenere l’interesse del cliente.

9. Presenta soluzioni, non solo design

Problem-solving: Oltre a mostrare il design, spiega come esso risolve specifici problemi del cliente o soddisfa le esigenze degli utenti.
Valore aggiunto: Identifica e risolvi criticità nascoste, dimostrando che il tuo design supera le aspettative del cliente.

10. Concludi con una call to action

Chiamata all’azione: Termina la presentazione con una chiara indicazione di cosa deve succedere dopo, che sia avanzare alla fase successiva del progetto, discutere dettagli finanziari o raccogliere ulteriori feedback.

Presentare un concept di design in modo efficace richiede competenze specifiche che vanno oltre il semplice mostrare il proprio lavoro. Richiede narrazione, pensiero critico, uso efficace dei dati, riflessione e, soprattutto, una profonda comprensione del cliente e del suo pubblico. Seguendo questi passi, riuscirai a creare una presentazione che non solo impressionerà il cliente, ma che risuonerà profondamente, convincendolo della validità della tua soluzione.

“Optic”

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22 Giugno 2024

Pubblicato da Counter-Print
Optic: effetti ottici nel design grafico

“Optic” esplora il ponte tra l’arte Op degli anni ‘60 e il design grafico contemporaneo. dinamismo, energia e vitalità si fondono nelle pagine di questo viaggio ottico, rivelando sperimentazioni ed esiti inaspettati. Un’avventura attraverso 200 pagine di effetti ottici che hanno modellato il linguaggio del design. “Optic”: il tuo invito a distinguere, imparare e innovare nel design grafico.

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Perché le illusioni ottiche affascinano tanto i designer grafici? Questi effetti sono spesso presenti in amati design di libri, packaging e branding in tutto il mondo. Nel suo ultimo libro, intitolato “Optic”, Counter-Print si immerge a capofitto in questo affascinante ambito dell’arte e del design.

Scritto da Katy Cowan il 13 luglio 2023, “Optic” è una lettura imprescindibile per ogni creativo attento che desidera approfondire la conoscenza dell’Op Art di metà anni ’60 e il suo impatto continuativo sul linguaggio del design grafico, forse più di qualsiasi altro movimento.

Ricco di ispirazione, il libro copre tutto, dalle strutture periodiche e sistemi interrotti al rilievo, dagli oggetti impossibili alla diffusione e all’illusione isometrica. Ogni sezione rivela le forme uniche e le tecniche che i designer di talento impiegano per creare immagini mozzafiato.

Come ci si aspetta da Counter-Print, il libro è un vero e proprio banchetto di intuizioni, contenendo interviste con artisti e studi di primo piano come Abby Haddican, Daughter, Toko, Classmate, Mainstudio, Manifiesto, Study LLC., Burrow e Parker Studio, tutti pronti a condividere di più sulle loro carriere e sull’uso delle illusioni ottiche nel loro lavoro.

“Le illusioni ottiche possiedono un’attrazione magnetica per i creativi, e non c’è da meravigliarsi,” spiega Jon Dowling, co-fondatore di Counter-Print. “Prendiamo, ad esempio, il Woolmark, un uso esemplare ed elegante dell’Op Art nel design grafico, ideato dal designer italiano Franco Grignani e lanciato in Gran Bretagna nel 1964. Questa creazione iconica esemplifica il potere affascinante delle illusioni ottiche.

“Andando più a fondo nell’epoca, troviamo numerosi design con una forte influenza Op, come l’identità delle Olimpiadi di Messico 1968 di Lance Wyman e il logo dei Giochi di Monaco 1972 di Otl Aicher. Questi design dimostrano vividamente come l’Op Art abbia ispirato e modellato il design grafico, lasciando un segno indelebile nelle menti creative.”

“Optic” segue i popolari titoli “Big Type” e “Mascot” di Counter-Print, rilasciati l’anno scorso, dove l’editore esamina a fondo un tema unico nel regno del design grafico e dell’illustrazione. “Ci piace molto esplorare temi che non solo stimolano la nostra curiosità ma risuonano anche con l’output visivo dei designer,” racconta Jon a Creative Boom.

Un tema ricorrente in “Optic” che spicca è l’importanza del bianco e nero nella creazione di effetti ottici. “È evidente che storicamente, molte opere ben note nell’ambito dell’arte ottica sono state create prevalentemente in bianco e nero. Lo stesso vale oggi, e ci sono due ragioni principali dietro questa scelta,” afferma Jon. “In primo luogo, il solo bianco e nero hanno il potenziale per ottenere un’ampia gamma di effetti ottici. Escludendo il colore, gli artisti possono concentrarsi sulla manipolazione dei toni e dei contrasti per produrre le illusioni visive desiderate. Rimuovere le complessità associate al colore permette un’esplorazione più diretta del fenomeno ottico in gioco.

“In secondo luogo, il contrasto tra bianco e nero porta con sé un’intrinseca drammaticità e dinamismo. Possiede un impatto visivo che supera l’uso del colore. Questo contrasto elevato aiuta a rendere le forme distinte e ben definite, cruciale per che certi effetti ottici vengano efficacemente trasmessi.”

Ci sono molti altri esempi all’interno di “Optic” che dimostrano l’influenza continua dell’Op Art sul design contemporaneo. Un caso è il lavoro di Underline per Halo, un birrificio e taproom che è stato piuttosto avventuroso nel suo branding.

“Il lavoro di Underline per Halo prende le ricette tradizionali di stili di birra rari e sperimenta con gli ingredienti, quindi l’uso dell’illusione ottica e la sua natura sperimentale sono molto appropriati,” dice Jon. “I designer sono stati ispirati dall’obiettivo di distinguere Halo dagli altri birrifici artigianali creando un sistema di marca e etichette che sfidano il linguaggio visivo comune nell’industria. Volevano catturare la natura avventurosa e non convenzionale del birrificio attraverso i loro design. Penso che l’Op Art, in questo contesto, funzioni molto bene per trasmettere il messaggio del marchio.”

“Naturalmente,” ammette Jon, “è sempre difficile selezionare un singolo lavoro quando si compilano libri come questi, e ci sono molti altri esempi che i designer troveranno utili e coinvolgenti. Spero che il lettore possa percepire l’ampiezza delle possibilità che l’illusione ottica può portare al loro lavoro,” aggiunge Jon.

“In definitiva, speriamo che i designer acquisiscano una comprensione e un’apprezzamento della ricca storia e dell’influenza dell’Op Art nel design grafico. Questo libro mira a esaminare gli effetti ottici presenti nel design grafico moderno, distinguendo le varie forme e mostrando come l’Op Art abbia iniettato dinamismo, energia e vitalità nel linguaggio del design grafico. Alla fine, speriamo che i designer traggano ispirazione e un più profondo apprezzamento per l’influenza dell’Op Art.”

Bob Noorda: Pioniere della Segnaletica Urbana e del Branding Aziendale

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21 Giugno 2024

Martina Delpopolo Carciopolo

Bob Noorda, nato nei Paesi Bassi nel 1927, è considerato uno dei graphic designer più innovativi e carismatici del Novecento. Trasferitosi a Milano negli anni ’50, Noorda ha rivoluzionato il design della segnaletica urbana e il branding aziendale, diventando un’icona del design. I suoi lavori rappresentano mezzo secolo di storia del graphic design, passando dal concetto di grafica funzionale alla nascita dell’idea di “immagine coordinata”. Quest’ultima, creata per la prima volta da Noorda per la Metropolitana di Milano, era una nozione rivoluzionaria per gli anni Cinquanta, oggi considerata scontata.

Grazie a Noorda, l’Italia del secondo dopoguerra si aprì a nuove sperimentazioni grafiche, abbandonando il clima artistico e mondano della prima metà del secolo. Come racconta lo stesso Noorda, quando arrivò a Milano nel 1956, gli industriali e gli impresari affidavano ancora le campagne pubblicitarie a illustratori e pittori, legando la pubblicità alla figura dell’artista piuttosto che al concetto di brand identity. Noorda si era diplomato nel 1950 ad Amsterdam presso l’Ivkno (Instituut voor Kunstnijverheidsonderwijs, oggi noto come Academie Gerrit Rietveld), ricevendo una formazione funzionalista ispirata ai principi della Bauhaus e del Costruttivismo. Questo background architettonico lo spinse a trasportare i ragionamenti logico-razionali della progettazione di un edificio nel settore della grafica, privilegiando la funzionalità e l’eliminazione di elementi superflui. Questo processo creativo si adattava perfettamente allo sviluppo dell’immagine coordinata, che Noorda definiva come “un misto di architettura, interni, design e pubblicità”.

Durante il suo soggiorno in Italia, Noorda collaborò con altri importanti graphic designer italiani del periodo, come Bruno Munari. Nel 1961 iniziò a lavorare come art director per Pirelli e come consulente artistico per La Rinascente. Nel 1965, fondò l’Unimark International a Chicago insieme a Ralph Eckerstrom, Massimo Vignelli, James Fogelman, Wally Gutches, Larry Klein e Robert Moldafsky.

Noorda sviluppò progetti grafici per alcune delle più importanti aziende italiane, come Feltrinelli, Mondadori, e Touring Club Italiano (nel campo dell’editoria), Eni, Pirelli e Barilla (per la grande distribuzione organizzata), Coop, La Rinascente, Upim e Agip. Oltre all’immagine coordinata per la Metropolitana di Milano, realizzò progetti anche per le metropolitane di New York e San Paolo.

Noorda applicò la stessa filosofia nella creazione di loghi e identità visive per noti brand italiani come Mondadori, Agip, ENEL e COOP, trasformando i loro marchi in simboli chiari e memorabili che comunicano efficacemente i valori aziendali. Nei suoi lavori, riuscì a combinare il rigore tradizionale della cultura olandese con la fantasia e la creatività italiana, ottenendo un perfetto equilibrio tra forma e funzione in una visione laica della grafica contemporanea.

Noorda ha sempre mantenuto una visione di libertà nel suo lavoro, considerandosi un freelance anche nei ruoli istituzionali, come quando era art director per Pirelli. Questa indipendenza gli ha permesso di esplorare e innovare senza vincoli, portando a soluzioni di design che servono chiaramente il loro scopo e migliorano la vita quotidiana.

Un esempio emblematico del suo lavoro è il manifesto Pirelli per lo pneumatico Rolle del 1959. Qui, il nome “Rolle” è riportato in grigio nella parte superiore e messo in evidenza da caratteri cubitali. Lo pneumatico, rappresentato da uno spesso copertone nero, ha un cerchione composto dal marchio Pirelli che, colorato, si ripete e ruota attorno a un invisibile perno centrale, catturando l’occhio dello spettatore. Questo elemento grafico, moltiplicandosi in infinite dilatazioni spazio-temporali, conferisce all’immagine l’idea del movimento.

Massimo Vignelli: “If you can design one thing, you can design everything”

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20 Giugno 2024

Massimo Vignelli, esponente di spicco del design italiano a New York, ha saputo combinare il rigore del modernismo grafico europeo con l’abilità tecnica del design americano. Nato nel 1931, Vignelli ha studiato all’Accademia di Brera di Milano e alla Facoltà di Architettura di Venezia, laureandosi nel 1957.

Durante gli anni universitari, Vignelli ha iniziato a dedicarsi alla progettazione grafica di giornali, libri e packaging, distaccandosi progressivamente dall’architettura. Come egli stesso afferma in “Vignelli: from A to Z”, “il processo architettonico era troppo lento in confronto alla velocità del processo di progettazione” grafica. Questo lo spinse a concentrarsi maggiormente sul design, pur mantenendo un forte legame con l’architettura, una passione che ha coltivato per tutta la vita.

Dopo la laurea, Vignelli iniziò a insegnare design all’Illinois Institute of Technology di Chicago. Negli anni Sessanta, insegnò all’Umanitaria di Milano e all’Istituto per il Disegno Industriale di Venezia. Durante questo periodo, Vignelli acquisì rilevanza internazionale: disegnò i manifesti per la XXXI e la XXXII Biennale di Venezia, le copertine per la Biblioteca Sansoni (1963) e rinnovò l’immagine del Piccolo Teatro di Milano (1964). Nel 1965 partecipò alla fondazione dell’ADI (Associazione per il Disegno Industriale) e fu membro del Gruppo di Studio dell’International Council of Societies of Industrial Design. Negli stessi anni, co-fondò l’Unimark International Corporation e divenne responsabile della sede di New York. Nel 1972, fondò con la moglie Lella la Vignelli Associates a New York. I suoi lavori sono esposti nelle collezioni permanenti di importanti musei come il MoMA e il Metropolitan di New York.

Durante la sua carriera, Vignelli si è occupato principalmente di corporate identity, allestimenti interni, design del prodotto e packaging, mostrando una grande versatilità nello sviluppo progettuale. Uno dei suoi principi fondamentali era: “Design is one – it is not many different ones.” Secondo Vignelli, il design è un’unica disciplina declinabile in vari ambiti, richiedendo lo stesso tipo di metodo progettuale.

Tra i suoi lavori più celebri, si possono citare il marchio ideato per l’American Airlines (1967) e la mappa della metropolitana di New York (1966) e Washington (1968). Dal 1966, Vignelli si dedicò alla corporate identity della Knoll, creando biglietti da visita, brochure, flyer, adesivi e annunci pubblicitari. Il suo lavoro per Knoll si distingue per la semplificazione visiva, il rigore geometrico e l’uso di caratteri tipografici autorevoli come l’Helvetica.

Vignelli sosteneva che “i manifesti mantengono il loro valore come elemento vitale dell’identità aziendale nonostante la proliferazione di altri media.” Un esempio è il manifesto per Knoll International del 1967, che utilizza colori primari sottrattivi e il logotipo Knoll in lettere cubitali sovrapposte. Questo manifesto dimostra la capacità di Vignelli di creare immagini intriganti e accattivanti con pochi colori, caratteri tipografici e un uso sapiente dello spazio. Sul retro del manifesto, l’intera collezione Knoll è visibile solo a poster ripiegato, mostrando un attento studio della griglia spaziale, chiara e organizzata. In tutto il manifesto, il logotipo aziendale in Helvetica bold colorato comunica splendidamente il potere e l’eleganza del marchio Knoll.

10 ANNI DI SATISPAY: NUOVA IDENTITÀ PER IL CIRCUITO NATO PER SEMPLIFICARE I PAGAMENTI

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3 Giugno 2024

Satispay, avvicinandosi al decimo anno di presenza sul mercato dell’app, si evolve e presenta la nuova immagine del proprio brand a supporto della sua mission: le persone. Una nuova identità che racconta un progetto di impresa che, nell’idea e nell’esecuzione, ha saputo portare trasparenza, relazione, efficienza ed etica nel mondo dei pagamenti.

Fin dall’inizio, Satispay ha creato un circuito di pagamento innovativo, mettendo le persone al centro. La transazione non si chiude semplicemente con il pagamento, ma getta le basi per una relazione: il negoziante chiama il cliente per nome, trasformando ogni scambio in un momento di connessione. Questo concetto è stato rappresentato graficamente attraverso i “SatisPeople”, personaggi che illustrano l’ampio spettro degli utenti di Satispay, distinguendosi dalla comunicazione tradizionale del mercato finanziario.

La Nuova Identità di Marca

Satispay presenta ora una nuova identità visiva, riassunta nel claim “People Paying People“. Questo semplice ma potente slogan sottolinea l’importanza delle persone nell’attività dell’azienda e la semplicità del suo circuito di pagamento, che unisce direttamente chi paga e chi riceve il pagamento senza intermediazioni. Il nuovo logo di Satispay, evoluto rispetto alla versione precedente, presenta angoli smussati e una forma più arrotondata per rappresentare meglio l’unione e la scorrevolezza del processo di pagamento.

Evoluzione del Simbolo

Forma e Design: Il simbolo del logo di Satispay mantiene l’elemento visivo distintivo di un intreccio stilizzato. Nella nuova versione, gli angoli sono stati smussati e le linee sono più arrotondate. Questo cambiamento conferisce al logo un aspetto più morbido e accogliente, in linea con la nuova filosofia del brand che mette al centro le persone.
Semplicità e Modernità: Il design è stato semplificato per riflettere una modernità più accessibile. La rimozione degli spigoli vivi e l’adozione di curve dolci rendono il logo più facilmente riconoscibile e memorabile.

Tipografia

Font: La scelta della nuova font per la scritta “satispay” è stata orientata verso una maggiore morbidezza e rotondità. La tipografia utilizzata è più spessa e le lettere hanno una spaziatura equilibrata, migliorando la leggibilità su vari dispositivi e piattaforme.
Dinamismo: La nuova font trasmette dinamismo e ottimismo, valori fondamentali per Satispay. Le lettere rotondeggianti danno un senso di movimento e progresso.

Colori

Palette dei Colori: La modifica più evidente è il cambiamento del colore principale da un rosso acceso a un arancione vibrante. Questo nuovo colore non solo attira l’attenzione, ma comunica anche calore, energia e innovazione.
Coerenza Visiva: L’arancione scelto per il nuovo logo è parte di una palette di colori complementari che Satispay utilizza per esprimere la propria personalità. La nuova palette include tonalità come baby blue, lilac, light sage, bright yellow e off-white, che insieme creano un’identità visiva vivace e diversificata.

Applicazioni e Varianti

Versatilità del Logo: Il nuovo logo è stato progettato per essere versatile e adattabile a diversi formati e contesti. Sono state create varie configurazioni, inclusi lockup verticali e orizzontali, per garantire coerenza in tutte le applicazioni, dai materiali stampati alle interfacce digitali.
Simbolismo: Il simbolo del logo, con il suo intreccio, continua a rappresentare l’idea di connessione e scambio tra le persone, un tema centrale nella mission di Satispay.

Immagini e Comunicazione

Immagini di Marca: La nuova identità visiva di Satispay si estende oltre il logo, includendo immagini di persone reali in contesti quotidiani. Questo approccio umanizza ulteriormente il brand, sottolineando il claim “People Paying People”.
Coerenza di Brand: Tutti gli elementi visivi, dal logo alla tipografia, dai colori alle immagini, sono stati armonizzati per creare una brand identity coerente e riconoscibile.

Il restyling del logo di Satispay rappresenta un passo importante nella sua evoluzione come brand. Con un design più morbido e accogliente, una tipografia moderna e una palette di colori vibrante, il nuovo logo riflette la missione dell’azienda di mettere le persone al centro e di facilitare gli scambi quotidiani. La versatilità e la coerenza della nuova identità visiva garantiranno che Satispay rimanga riconoscibile e rilevante in un mercato in continua evoluzione.

Commento di Alberto Dalmasso

Alberto Dalmasso, CEO e co-fondatore di Satispay, ha commentato: “Le persone, con i loro bisogni, sono sempre state la nostra ossessione e la nostra missione. Siamo partiti cercando di capire cosa impedisse ai pagamenti elettronici di diffondersi e abbiamo strutturato un modello per risolvere quel problema e molti altri. Da quel momento lavoriamo ogni giorno per migliorare la situazione dei pagamenti, aggiungendo nuove funzionalità e creando alternative ai modelli tradizionali dei buoni pasto. La nuova identità dice con chiarezza che continueremo a fare questo guardando avanti.”

Rovagnati Svela il Nuovo Logo: moderno ma con richiami alle sue radici

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8 Maggio 2024

Il rinomato produttore italiano di salumi, Rovagnati, ha recentemente presentato al mondo la sua nuova identità visiva, culminando in un logo completamente rinnovato che simboleggia l’evoluzione del brand ma richiamando nella tipografia della R il marchio originale. Questo aggiornamento di immagine è frutto di un intenso anno di lavoro, che ha visto la collaborazione tra il team interfunzionale di Rovagnati e il team creativo di Connexia, una realtà leader nel settore del marketing e della comunicazione parte della MarTech Company Retex.

Dettagli del Nuovo Logo

Il cuore del redesign è focalizzato sulla lettera “R”, elemento centrale del logo che si trasforma mantenendo un legame visivo con il marchio originale del 1970. Il nuovo carattere tipografico adottato per il logo presenta linee curve e regolari, progettate per evocare la storia dell azienda Rovagnati e per conferire un aspetto più moderno e accessibile. La scelta di mantenere la “R” come elemento distintivo rispecchia una continuità visiva, pur introducendo un’interpretazione più fresca e attuale.

Il colore gioca un ruolo cruciale nella nuova identità, con l’adozione dei toni della bandiera italiana — verde, bianco e rosso — che abbracciano il nome del brand. Questa scelta non solo rafforza l’italianità del marchio, ma aumenta anche l’immediatezza visiva del logo, rendendolo più accattivante e riconoscibile su diverse piattaforme e supporti.

Il Processo Creativo e l’Innovazione nel Design

Il processo di redesign è stato guidato da una stretta collaborazione tra il team di design interno di Rovagnati e il team creativo di Connexia. Il progetto ha richiesto un approccio interdisciplinare, coinvolgendo esperti di brand identity, designer grafici, e specialisti in strategie di marketing. Questa sinergia ha permesso di esplorare diverse direzioni creative, assicurando che il nuovo logo non solo rispecchiasse l’identità storica di Rovagnati, ma anche le sue ambizioni future.

L’obiettivo era creare un logo che trasmettesse i valori di qualità, tradizione e sostenibilità, elementi fondamentali per Rovagnati. Il nuovo pay-off, “Il Buono fatto Bene”, sottolinea questi valori, con un focus particolare sulla qualità superiore dei prodotti e sulla produzione sostenibile. Questo messaggio è ora visivamente rappresentato nel design del logo, che unisce estetica e etica in un unico simbolo potente.

Implicazioni per il Branding e la Comunicazione

La nuova identità visiva di Rovagnati non è solo un cambiamento grafico, ma rappresenta un rinnovato impegno verso la sostenibilità e l’espansione internazionale. Il Managing Director e Board Member Gabriele Rusconi ha sottolineato come il nuovo logo faciliti la comunicazione di questi obiettivi, migliorando la percezione del brand sui mercati globali e rafforzando la sua presenza nei punti vendita e nei canali digitali.

L’aggiornamento del logo sarà implementato gradualmente su tutti i touchpoint del brand, dai packaging ai materiali promozionali e online, segnando una nuova era nella storia di Rovagnati, con un occhio sempre attento alle origini italiane e uno sguardo deciso verso le nuove sfide del mercato globale.

Il nuovo logo di Rovagnati rappresenta una fusione perfetta di tradizione e innovazione, consolidando l’immagine di un’azienda che continua a crescere e a innovarsi, senza mai dimenticare le radici che l’hanno resa famosa. Questo restyling non solo rafforza la sua identità di marca ma segna anche un passo significativo verso un futuro sostenibile e internazionale, dimostrando come il design possa essere al servizio di strategie aziendali più ampie e complesse.

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13 Aprile 2024